Baroque tardif

Le rococo (ou style « rocaille ») est un mouvement artistique français du XVIII^e siècle touchant principalement l’architecture, mais également dans une grande partie, l’ornementation, l’ameublement, ainsi que la peinture et, dans une moindre mesure, la musique et la littérature. Il se développa de 1730 à 1760.

Les pièces décorées à la manière rococo sont caractérisées par du mobilier doté d’ornementations, de petites sculptures, des miroirs ornementés, des tapisseries et des peintures murales décoratives particulièrement chargées. Ce mouvement sera suivi par le mouvement néo-classique. Selon Delécluze, le terme « rococo » fut inventé vers 1797 en dérision par Pierre-Maurice Quays, élève de Jacques-Louis David, maître à penser du mouvement des Barbus et chantre d’un classicisme poussé à l’extrême.

Sommaire 1 L’origine du terme rococo 2 Historique du mouvement du rococo 2.1 Nuance du baroque ou style autonome ? 3 Meubles et objets décoratifs rococo 4 Peinture rococo 4.1 Les principaux représentants 4.1.1 Allemagne 4.1.2 France 4.1.3 Italie 4.1.4 Flandres 4.1.5 Autriche 4.2 Caractéristiques stylistiques 4.3 Œuvres principales 5 Architecture rococo 5.1 Exemples d'architecture rococo 6 Musique rococo ou style galant 7 Littérature 8 Ébénisterie 9 Orfèvrerie 10 Ferronnerie 11 Théories et signification 12 Notes et références 13 Voir aussi 13.1 Articles connexes 13.2 Bibliographie 13.3 Liens externes

L’origine du terme rococo

Le terme est apparu en France, vers 1730^[1]. Il résulterait d’une association des termes rocaille, en français, pour désigner une ornementation imitant les rochers et les pierres naturelles et la forme incurvée de certains coquillages^[1] et du terme baroco : « baroque » en italien. Le terme garda longtemps son aspect péjoratif avant d’être accepté par les historiens de l’art vers le milieu du XIX^e siècle et d’être considéré comme un mouvement artistique européen à part entière.

Historique du mouvement du rococo

Ce style se propage en Europe tout au long du XVIII^e siècle. En France, il trouve son apogée sous la Régence et surtout sous le règne de Louis XV, après l’austérité des dernières années du règne de Louis XIV. Il sera remplacé à partir de 1760 par le néoclassicisme qui est, comme par un mouvement de pendule, un retour à l’austérité.

Le rococo se développa dans les arts décoratifs. À la fin du règne de Louis XIV, les éléments baroques riches et chargés sont abandonnés au profit d’un stylisme plus épuré avec des formes incurvées en utilisant des matériaux naturels. C’est une période d’austérité. Ce style est caractéristique du style architectural de Nicolas Pineau. Durant la Régence, la cour du roi déménagea de Versailles et le style rococo devint la nouvelle norme usitée, tout d’abord par la cour, puis par toute l’aristocratie française. La délicatesse et l’ostentation du style rococo étaient considérés comme en parfaite adéquation avec les excès qui régnaient à la cour de Louis XV. La décennie de 1730 représente l’apogée de la diffusion du rococo dans la société française, qui se manifeste dans des domaines aussi divers que l’architecture, la peinture, la sculpture et le mobilier d’intérieur. Les artistes les plus caractéristiques de cette période sont Watteau et Boucher. Le rococo continue de s’inspirer du baroque pour son goût pour les formes et dessins complexes. Mais il se commence à se différencier en intégrant des caractéristiques différentes comme des formes orientales et des compositions asymétriques.

Le style rococo se diffuse grâce aux artistes français et certaines publications spécialisées. Notamment par les catholiques d’Allemagne, de Hongrie et de Bohême. Il en résulte un mélange avec la tradition baroque allemande : le Rokokozeit (ou Spätbarock, baroque tardif) suit le Barockzeit. Le rococo allemand se manifeste avec enthousiasme dans les églises et les palais, particulièrement le sud. Son expansion est à mettre en paralléle avec la volonté de Frédéric II de Prusse de construire le royaume prussien. Ce style s’appelle le rococo frédéricien. Les architectes habillent souvent leurs intérieurs de nuages de stuc blanc.

En Italie, le style des derniers artistes baroques, barocco tels que Borromini et Guarini donnent la tonalité pour le rococo à Turin, Venise, Naples et en Sicile, tandis que les arts en Toscane et à Rome sont plus rattachés au style baroque.

En Angleterre, le style rococo est assimilé comme étant un style d’inspiration française. Le style architectural, que ce soit au niveau du travail de l’argent, de la porcelaine ou de la soie, est d’inspiration continentale française. Thomas Chippendale adapta du mobilier d’intérieur dans un style propre ressemblant au rococo. William Hogarth aida au développement d’une base théorique pour atteindre les standards de beauté rococo. Bien qu’il n’ait pas l’intention d’appartenir au mouvement, il développa dans Analysis of beauty (1753) que les lignes ondulées et les courbes en S, existantes de manière proéminente dans le rococo, étaient la base de la beauté dans l’art et la nature. À l’inverse, dans le Classicisme, il existe des lignes droites et des cercles. Le développement du rococo, en Angleterre, est à mettre en relation avec le regain d’intérêt pour l’architecture Gothique au début du XVIII^e siècle.

Le commencement de la fin de la période rococo peut être daté à partir du début des années 1760. Des personnalités comme Voltaire ou Jean-François Blondel critiquèrent ce style en le qualifiant de dégénéré et de superficiel. Jean-François Blondel déclare, à ce sujet, qu’il trouve « ridicule le pêle-mêle des coquillages, dragons, roseaux, palmiers et autres plantes » dans les intérieurs de cette époque. En 1785, le rococo est passé de mode en France. Il est remplacé par le sérieux et ordonné style néo-classique personnifié par des artistes Jacques-Louis David. En Allemagne, à la fin du XVIII^e siècle, le rococo est qualifié comme Zopf und Perücke laissant au passage l’intitulé de cette période comme Zopfstil. rococo resta populaire en Allemagne et en Italie jusqu’à la deuxième phase du néo-classicisme : le style Empire et l’arrivée du gouvernement napoléonien. Le style rococo connut un regain d’intérêt entre 1820 et 1870.

Nuance du baroque ou style autonome ?

Pour Heinrich Wölfflin^[2], c’est une nuance du baroque, mais pour Hans Sedlmayr et H. R. Hitchcock puis Philippe Minguet^[3], le rococo est une catégorie de style autonome. Le rococo serait autant distinct du baroque qui le précède, que du néoclassicisme qui le suit.

Meubles et objets décoratifs rococo

Ce style se caractérise par :

• La fantaisie des lignes courbes et asymétriques rappelant les volutes des coquillages ou bien les feuillages,
• L'utilisation de teintes claires (blanc, ivoire, or),
• Des motifs mêlant fleurs, feuilles, fruits, rubans, etc.
• L'insertion de peintures et de miroirs.

Les thèmes légers et sur la joie de vivre, les conceptions complexes et détaillées du rococo sont en totale opposition à l’architecture et la sculpture imposante et massive du baroque. Le style rococo répond avant tout à un important besoin de renouveau : après le goût du faste et de la solennité qui a marqué le long règne de Louis XIV, il répond à une aspiration à la légèreté, au confort et à la frivolité.

En France, le rococo s’exprime de maniére éclatante dans la décoration intérieure à travers la ferronnerie, les figures de porcelaine, les petits objets décoratifs sans utilité et les meubles. La décoration d’intérieur rococo est le symbole de bon goût et de la mode pour toute la noblesse et la bourgeoisie de l’époque.

Le style rococo est caractérisé par son asymétrie. Ce qui est novateur et en rupture avec le style européen de l’époque. Cette façon de créer un effet avec des éléments non-équilibrés est appelé « contraste ».

Le style rococo, dans la conception de ses meubles, se caractérise par sa flamboyance que ce soit au niveau de la conception que visuel. Les meubles ne doivent plus seulement symboliser un statut social mais ils doivent être confortables et polyvalent. Les meubles, pour être facilement déplacés, voient leurs formes évoluer vers une spécialisation pour chaque usages. On voit apparaître des fauteuils « voyeuse » et des « bergères » de formes gondolées. Les fauteuils évoluent vers plus de confort, avec un allongement des accoudoirs et du dossier appelé « Dossier Droit » dit « à la reine » et un coussin d’assise amovible.

Précédé par	Rococo	Suivi par
Style Régence	Style Français	Style Transition

Peinture rococo

Présentation générale

Histoire de la peinture

Mouvements picturaux

Art figuratif - Art abstrait

gothique - renaissance - baroque

académisme - néoclassicisme - rococo

impressionnisme - art nouveau

cubisme - dadaïsme - fauvisme

réalisme - surréalisme - Néo-expressionnisme - Pop art

Thèmes picturaux

Peinture religieuse-profane-mythologique

Portrait - Autoportrait - Le nu

Peinture d'histoire - orientaliste

Nature morte - Paysage

Peinture animalière / marine

Techniques picturales

Matériel - Support - Médiums

Composition picturale - Perspective

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Bien qu’à ses débuts, le rococo, dans la peinture, ne soit qu’exclusivement décoratif, des modèles figuratifs apparaissent au fil du temps. Les peintures sont caractérisées par de nombreuses couleurs pastel et des formes incurvées. Les peintres décorent leurs tableaux d’anges chérubins et de tous les symboles de l’amour. Le portrait est aussi un style très en vogue. Certaines peintures représentent des scènes coquines et lestes pour l’époque. Ceci est en rupture avec le style baroque et ses travaux dans les églises. Les peintures évoquent souvent des scènes pastorales et des promenades de couples aristocratiques.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) est considéré comme le premier grand peintre rococo. Il a eu une influence sur ses contemporains du mouvement François Boucher (1703–1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), deux maitres de la fin du mouvement.

Dans le domaine de la peinture décorative, le peintre vénitien Giovanni Battista Tiepolo représente ce courant en Italie et en Espagne.

Les principaux représentants

Allemagne

• François de Cuvilliés, architecte et décorateur

France

• Antoine Watteau
• François Boucher
• Jean-Honoré Fragonard
• Jean Pillement
• Antoine Pesne
• Nicolas Pineau (architecte décorateur)

Italie

• Corrado Giaquinto
• Giambattista Tiepolo
• Antonio Balestra
• les Guardi
• Francesco Solimena
• Alessandro Magnasco
• Giovanni Domenico Ferretti

Flandres

• Peter Angelis

Autriche

• Franz Anton Maulbertsch

Caractéristiques stylistiques

• Art du plaisir
• Reflet d’une société préservée cultivant les loisirs
• Art ostentatoire
• Inspiré de l’empirisme (Locke)
• Instantanéité (tout est esquissé)
• Condensé de sensations fugitives
• Symbole de la jouissance et du luxe
• Surenchère dans la décoration
• Aucune dimension spirituelle (art gratuit)
• Inspiration exotique (Chine, Turquie)

• Éclatement de toutes formes de structures
• Art érotique
• Souvent, thèmes champêtres

Œuvres principales

• Les Fêtes vénitiennes, Watteau
• Le Pierrot, Watteau
• Le Déjeuner, Boucher
• Le Bain de Diane, Boucher
• Leda et le cygne, Boucher
• Les Hasards heureux de l’escarpolette, Fragonard
• Les Baigneuses, Fragonard
• La Gimblette, Fragonard
• Le Pèlerinage sur l’ile de Cythère, Watteau
• Le Verrou, Fragonard
• Le décor intérieur de l’hôtel de Soubise, Germain Boffrand

Antoine Watteau	François BoucherMarie-Louise O'Murphy (1737-1818), maîtresse de Louis XV, peint par Francois Boucher en 1752	Thomas Gainsborough	Élisabeth Vigée-Lebrun
Maurice Quentin de La Tour	Fragonard

Architecture rococo

• Le rococo (terme dérivé du mot rocaille, tendance décorative française qui repose sur des motifs en plâtre évoquant des coquillages) voit le jour à la cour de Louis XIV. Ce style est essentiellement utilisé pour des décorations intérieures (Hôtel de Sully, Paris).

• Ce style surchargé atteint son apogée non pas en France, mais en Bavière avec le régne de Louis II de Bavière (pavillon d’Amalienburg (1734-1739), du château de Nymphenburg et du château de Linderhof).

• En Prusse, le « rococo frédéricien » s’incarne de manière éclatante dans le palais de Sanssouci à Potsdam, réalisé pour le compte de Frédéric le Grand.

En architecture, le style rococo se reconnait par ses lignes courbes et l’abondance des décorations (têtes sculptées en façade). Les habitations de ce style sont munies d’un entresol (comme tous les bâtiments jusqu’au XIX^e siècle), de petits balconnets arrondis en encorbellement, de garde-corps en fer forgé. On constate aussi la hauteur décroissante des étages et le 1^er (ou le 2^e) étage est un étage noble.

À la fin du règne de Louis XV, on voit, avec le courant néoclassique, réapparaitre les styles grec et romain.

Exemples d'architecture rococo

• Hôtel de Soubise (Paris)
• Hôtel de Lassay (Paris)
• Château de Nymphenburg en Bavière (Allemagne)
• Palais de Sanssouci (Allemagne)
• Château de Charlottenburg (Allemagne)

Musique rococo ou style galant

S’il existe un style rococo en peinture en sculpture et en architecture, le terme a conservé son sens péjoratif en musique : « se dit en général de toute musique vieille, et hors de mode » dit le Dictionnaire de musique théorique et historique d’Escudier (p. 416). On parle donc de style galant, entre la musique baroque et la musique classique, pour qualifier l’équivalent du style rococo dans l’histoire de la musique. On cite Rameau et Carl Philipp Emanuel Bach parmi les compositeurs les plus importants exposants de ce courant. Tchaïkovski a également composé des Variations sur un thème rococo.

Littérature

En littérature, Roger Laufer avancé, en 1963, dans Style rococo, style des « Lumières » (Paris, J. Corti), la thèse que la littérature a également connu une période à laquelle le qualificatif de rococo peut être appliqué.

De même, Jean Starobinski, dans son essai "Sur le style philosophique de Candide" dans Le Remède dans le mal, avance l'idée que l'asymétrie des paires formées par les différents personnages du conte, leur régularité irrégulière, donne une tonalité rococo à Candide.

Ébénisterie

• Charles Cressent

Orfèvrerie

• Claude Duvivier
• Juste-Aurèle Meissonnier

Ferronnerie

• Jean Lamour : grilles de la place Stanislas à Nancy

Théories et signification

L’étude la plus complète sur la signification idéologique, historique et esthétique du mouvement est due à l’esthéticien belge Philippe Minguet, membre du Groupe µ.

Notes et références

Voir aussi

Articles connexes

• Architecture baroque
• Néoclassicisme
• Peintres rococo
• Style galant
• Chinoiserie
• Rococo frédéricien
• L'Art grotesque italien du Cinquecento

Bibliographie

• Fiske Kimball, Le Style Louis XV ; origine et évolution du rococo, Paris, A. et J. Picard, 1949, 1943.
• Roger Laufer, Style rococo, style des « Lumières », Paris, J. Corti, 1963.
  Cet ouvrage avance la thèse que la littérature a également connu une période à laquelle le qualificatif de rococo peut être appliqué.
• Philippe Minguet, Esthétique du rococo, Paris, J. Vrin, 1966.
• Cornelius Gurlitt : Die Geschichte des Barockstiles, des Rokoko und des Klassizismus.

Liens externes

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