Andrea Mantegna

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Andrea Mantegna
Portrait de Chambre des Époux (Mantoue, Palais Ducal)
Naissance	1431 Isola di Carturo,  République de Venise
Décès	13 septembre 1506 Mantoue
Activité(s)	Peinture
Maître	Francesco Squarcione
Mouvement artistique	Renaissance
Influencé par	Filippo Lippi, Paolo Uccello, Donatello
Influença	Giovanni Bellini
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Oculus en trompe-l'œil de la Chambre des Époux

Martyre de saint Sébastien (huile/toile, Kunsthistorisches Museum, Vienne, Autriche)

Andrea Mantegna^[1] (Isola di Carturo, v. 1431^[2] – Mantoue, 13 septembre 1506) est un peintre italien de la Renaissance qui a rompu définitivement avec le style gothique en plein milieu du XV^e siècle sans se départir de cette attitude tout au long de sa vie.

Biographie

Mantegna, deuxième fils d'un pauvre charpentier nommé Biagio, originaire de l'Isola di Carturo, naît près de Vicence en République de Venise. À l'âge de dix ans, il entre comme apprenti et est adopté en 1442 par Francesco Squarcione, à la tête d'un important atelier à Padoue. Mantegna est son disciple préféré. Squarcione lui apprend le latin et lui donne à étudier des fragments de sculpture romaine. Il maîtrise la perspective.

En 1445, Mantegna s'inscrit à la confrérie des peintres de Padoue comme fils de Squarcione, mais, à l'âge de 17 ans, il quitte Squarcione. Plus tard, il affirmera que son ancien maître avait utilisé son travail sans le payer à sa juste mesure. Padoue attire des artistes de Vénétie mais aussi de Toscane et les œuvres de jeunesse de Mantegna sont très marquées par des peintres florentins tels que Paolo Ucello, Fra Filippo Lippi ou Donatello

Sa première œuvre, aujourd’hui perdue, est un retable, destiné à l'église Santa Sofia (1448). La même année il est appelé avec Niccolò Pizzolo et deux peintres vénitiens, Antonio Vivarini et Giovanni d'Alemagna, à travailler à la décoration par les fresques de la chapelle d'Ovetari dans l'abside de l'église des Eremitani. Une série d’événements fortuits fait que Mantegna termine seul la plus grande partie du travail (qui fut presque entièrement détruit dans les bombardements de Padoue en 1944). La partie la plus spectaculaire du cycle représenté sur la fresque est celle où l’on voyait, en perspective du bas, saint Jacques mené au supplice. L’esquisse de cette fresque a survécu. Elle est le travail préliminaire à une fresque plus ancienne qui nous est parvenue et que nous pouvons comparer à l'œuvre finale. En dépit de l’aspect authentique de ce monument, il n'est la copie d'aucune structure romaine connue. Pour habiller ses personnages, Mantegna adopte également les modèles de draperie mouillée des Romains, laquelle vient elle-même d’une invention grecque, bien que les attitudes tendues et les interactions soient inspirées de Donatello. Le schéma montre à l’évidence que des figures nues sont employées dans la conception des œuvres dès le début de la Renaissance. Dans le croquis préparatoire, la perspective est cependant moins élaborée et plus proche d'un point de vue moyen. La perspective par en dessous, permettant une mise en œuvre plus vaste et plus efficace se retrouve également dans le retable Trivulzio. Ansuino, qui collabore avec Mantegna pour la chapelle d'Ovetari, introduit son style dans l'école de peinture de Forlì.

Alors que le jeune homme progresse dans ses études, il subit l'influence de Jacopo Bellini, père des peintres célèbres Giovanni et Gentile, et dont la fille Nicolosia épouse Mantegna en 1453.

Parmi les autres fresques du jeune Mantegna se trouvent les deux saints qui surmontent le porche d'entrée de l'église Sant'Antonio à Padoue (1452) et un retable montrant saint Luc et d'autres saints pour l'église de S. Giustina, maintenant à la pinacothèque de Brera de Milan (1453). Il est probable, cependant, qu'avant cette époque certains des élèves de Squarcione, y compris Mantegna, ont déjà commencé cette série de fresques dans la chapelle San Cristoforo de l'église des Ermites de Saint-Augustin, regardée maintenant comme son chef d’œuvre. Squarcione, maintenant porté à critiquer, trouve à redire sur les premières réalisations de cette série qui illustrait la vie de saint Jacques ; il prétend que les personnages ressemblent à des hommes en pierre, et qu’il aurait mieux valu leur donner la couleur de la pierre.

Andrea semble avoir été influencé par les vieux préceptes de ses maîtres ; dans les sujets plus tardifs, de la légende de saint Christophe, il combine avec ses autres qualités davantage de caractère naturel et de vivacité. Habitué comme il l’est à étudier les marbres et la sévérité du style antique, et reconnaissant ouvertement qu’il considère les œuvres antiques comme supérieures à la nature, il s’efforce à présent à la précision du trait, à la dignité de l'idée et du personnage, ce qui le fait tendre vers une certaine rigidité, et vers une austérité intègre plutôt que vers une sensibilité aimable de l'expression. Ses draperies présentent des plis puissants et étroits, étant étudiés (dit-on) sur des modèles drapés en papier et des tissus collés. Des personnages minces, tout muscles et tout os, une action impétueuse mais à l'énergie contenue, un paysage aux couleurs fauves, fait de sable et où traînent des galets, voilà qui élève son style et lui donne une majesté athlétique.

Jamais il n'a changé cette manière qu'il avait adoptée à Padoue ; sa coloration, au début neutre et indécise, se renforce et mûrit. Il y a dans tout son travail plus d’équilibre dans les couleurs que de finesse dans la tonalité. Un de ses grands objectifs est l'illusion d’optique, fondée sur la maîtrise de la perspective ; et il y parvient tout seul, grâce à un travail laborieux, même si sur ce point il n’atteint pas la perfection et s’il ne dépasse absolument pas ce qu’on fait alors de mieux. Mais l’illusion de la réalité reste étonnante.

Malgré son succès et l’admiration dont il fait l’objet, Mantegna quitte de bonne heure son Padoue natal et n’y revint jamais. On y a vu le résultat de l’hostilité de Squarcione. Il passe le reste de sa vie à Vérone, à Mantoue et à Rome ; on n’a pu établir s'il a aussi résidé à Venise et à Florence. À Vérone, vers 1459, il peint un grand retable pour l'église San Zeno Maggiore, une Madone et des anges musiciens, avec quatre saints de chaque côté, et des panneaux de la prédelle sur la Vie du Christ.

Sa vie à Mantoue

La cour du marquis Louis III de Mantoue
1474 Fresque de la Chambre des Époux, Palais ducal de Mantoue

Le Calvaire
1459 - Tempera sur bois, partie centrale originale de la prédelle du retable de San Zeno de Vérone,
Musée du Louvre, Paris

Lamentation sur le Christ mort
v. 1480-1490 Tempera sur bois
Pinacoteca di Brera, Milan

Le Christ priant au jardin des Oliviers (tempera sur panneau), version de Londres. La partie gauche de la prédelle du retable de San Zeno de Vérone, représentant le même sujet est conservée au musée de Tours

Madone de la Victoire
vers 1496, tempera sur toile - Musée du Louvre, Paris

Depuis quelques années déjà, le marquis Louis III Gonzague, marquis de Mantoue presse Mantegna d’entrer à son service ; aussi l'année suivante, en 1460, est-il nommé artiste de cour. Au début il réside de temps à autre à Goito, mais, à partir de décembre 1466, il s’installe avec sa famille à Mantoue même. Il reçoit un salaire de 75 lires par mois, somme considérable pour l’époque et qui indique nettement la haute estime dans laquelle on tient son art. Il est en fait le premier peintre parmi tous ceux qui ont été domiciliés à Mantoue.

Son chef-d’œuvre réalisé dans cette ville est peint dans le Castello San Giorgio faisant partie du Palais ducal de la ville, un ensemble de fresques aujourd'hui connu sous le nom de Camera degli Sposi (Chambre des Époux) : une série de compositions ne comprenant que des fresques dans une seule pièce et montrant différentes représentations de la famille Gonzague dans leur vie quotidienne.

La décoration de la pièce est terminée vraisemblablement en 1474. Les dix années qui suivent ne sont pas heureuses pour Mantegna ni pour Mantoue : son caractère devient irritable, son fils Bernardino meurt, et également le marquis Louis III en 1478, son épouse Barbara en 1481 ainsi que son successeur Frédéric I^er le Bossu en 1484 (celui qui avait fait Mantegna chevalier). Ce n’est seulement qu'avec l'avènement de François II que les commandes artistiques pour Mantoue reprennent. Il construit une maison imposante au voisinage de l'église San Sebastiano, et l’orne avec une multitude de peintures. On peut encore voir cette maison aujourd'hui, mais les peintures ont disparu. À cette époque, il commence à réunir quelques bustes antiques de Rome (qui furent donnés à Laurent de Médicis quand le chef florentin visita Mantoue en 1483), peint quelques fragments architecturaux et décoratifs, et achève son impressionnant saint Sébastien, maintenant visible au Louvre.

En 1488, Mantegna est appelé par le pape Innocent VIII pour décorer de fresques le belvédère d’une chapelle au Vatican. Cette série de fresques, y compris un remarquable baptême du Christ, seront détruites par Pie VI en 1780. Le pape traite Mantegna moins généreusement qu'il ne l’a été à la cour de Mantoue ; mais, à tout prendre, leur entente, qui cesse en 1500, n'a été nullement désavantageuse pour aucune des deux parties. Mantegna rencontre également le célèbre otage turc Jem et étudie attentivement les monuments antiques, mais l'impression que lui laisse la ville est dans l'ensemble décevante. Retourné à Mantoue en 1490, il reprend avec force sa vision plus littéraire et plus amère de l’Antiquité, et se lie étroitement avec la nouvelle marquise, Isabelle d'Este, cultivée et intelligente.

Dans ce qui maintenant est sa ville, il continue son travail avec les neuf peintures a tempera du triomphe de Jules César, qu’il a probablement commencées avant son départ pour Rome, et qu’il termine autour de 1492. Ces compositions, superbement inventées et réalisées, rayonnantes de toute la splendeur du principal sujet et des accessoires, grâce à la formation classique et à l’enthousiasme d’un des plus grands esprits de son temps, ont toujours été mises au premier rang parmi les travaux de Mantegna. Considérées comme son travail le plus achevé, elles sont vendues en 1628 avec la majeure partie des trésors d'art de Mantoue, et elles ne seront pas, comme on le dit généralement, dérobées à l’occasion du sac de Mantoue en 1630, mais aujourd'hui elles restent extrêmement endommagées par des rafraîchissements maladroits.

Malgré une santé déclinante, Mantegna reste actif. Parmi d’autres travaux de la même période on trouve la Madone de la carrière, saint Sébastien et la célèbre Lamentation sur le Christ mort, qu’il a probablement peinte pour sa chapelle funéraire personnelle. Un autre travail des dernières années de Mantegna est ce qu’on appelle la Madone de la Victoire, maintenant au Louvre. Elle est peinte à tempera vers 1495, en souvenir de la bataille de Fornoue dont l’issue est discutable mais que François II souhaitait montrer comme une victoire de la ligue italienne ; l'église qui à l'origine a abrité ce tableau a été construite suivant les plans même de Mantegna.

La Madone est ici représentée en compagnie de plusieurs saints, de l'archange saint Michel et de saint Georges qui lui tiennent son manteau, sous le prolongement duquel se tient François II à genoux, dans une profusion de riches guirlandes et d’autres ornements. Indépendamment de sa perfection dans l’exécution, cette œuvre compte manifestement parmi les plus belles et les plus attachantes des œuvres de Mantegna où les qualités de beauté et de séduction sont souvent exclues, au profit de la poursuite rigoureuse de ces autres idéaux plus appropriés à son génie grave : la tension de l’énergie s’exprimant dans une passion hagarde.

À partir de 1497 Mantegna est chargé par Isabelle d'Este, maîtresse de Mantoue depuis 1490, de transposer les thèmes mythologiques chantés par le poète de cour Paride Ceresara dans des peintures destinées à son appartement privé (studiolo) au château San Giorgio. Ces peintures sont dispersées au cours des années suivantes : l’une d’elles, La Légende du Dieu Comus, a été laissée inachevée par Mantegna et terminée par Lorenzo Costa, qui lui a succédé comme peintre de cour à Mantoue. Ses rapports avec la marquise sont difficiles, cette dernière essayant de renouveler le style de la cour en faisant appel à d'autres peintres. Le marquis le défend encore et lui commande une Vierge à la victoire.

Après la mort de son épouse, Mantegna a à un âge avancé un fils naturel, Giovanni Andrea, et vers la fin, bien qu'il continue à se lancer dans toutes sortes de dépenses, il connaît de graves ennuis, comme l'exil de Mantoue de son fils Francesco, qui s’était attiré le courroux du marquis. Il est possible que le vieux maître, connaisseur éclairé, a considéré comme à peine moins tragique la dure nécessité de se séparer d’un buste antique de Faustina qu’il aimait beaucoup.

Très peu de temps après cette vente, il meurt à Mantoue, le 13 septembre 1506. En 1516, un superbe monument est placé en son honneur par ses fils dans l'église Sant'Andrea, où il avait peint le retable de la chapelle mortuaire. Le dôme a été décoré par Le Corrège.

Le graveur

Mantegna n’a pas moins brillé comme graveur, même si c’est une question assez difficile à étudier, en partie parce qu'il n'a jamais signé ni daté aucune de ses plaques, sauf une seule fois, en 1472, et le fait est contesté. L'une des hypothèse est qu'il n'a jamais manié le burin mais seulement fourni les dessins^[3].

La liste qui nous est parvenue montrerait que Mantegna a commencé la gravure à Rome, incité à le faire par les gravures qu’avait réalisées le Florentin Baccio Baldini d'après Sandro Botticelli ; on ne peut rien opposer à cette liste si ce n’est qu’elle daterait les gravures que Mantegna a faites, nombreuses et élaborées, des seize ou dix-sept dernières années de sa vie, ce qui semble bien peu de temps, sans compter que les gravures les plus anciennes rappellent les débuts de son style artistique. On a suggéré qu'il aurait commencé à graver alors qu’il était toujours à Padoue, en recevant l’enseignement d'un orfèvre distingué, Niccolò. Il a gravé environ cinquante plaques, selon le compte habituel ; quelque trente d'entre elles sont généralement considérées comme indiscutables, elles sont souvent grandes, remplies de personnages et remarquablement étudiées. Certains experts, cependant, ont récemment demandé de limiter à sept le nombre de ses gravures authentiques, ce qui semble peu raisonnable. Parmi les principaux exemples on cite des triomphes romains, une fête orgiaque, Hercule et Antée, les dieux marins, Judith avec la tête d'Holopherne, la Déposition de la Croix, la Mise au Tombeau, la Résurrection, l'Homme de Douleurs, la Vierge dans une grotte. Mantegna a été parfois crédité de l'invention importante de la gravure sur cuivre au burin. Cette attribution est difficile à soutenir si on tient compte des dates, mais en tout cas c’est lui qui a introduit cette technique en Italie septentrionale. On suppose que plusieurs de ses gravures ont été exécutées à l’aide d’un métal moins dur que le cuivre. Sa propre technique et celle de ses élèves se caractérisent par les formes puissamment marquées du dessin, et par les hachures de forme oblique pour marquer les ombres. On trouve souvent les épreuves en deux éditions différentes. Dans le premier cas les épreuves ont été réalisées au rouleau, ou même par pression manuelle, et elles sont faiblement teintées ; dans le deuxième cas on a employé la presse, et l'encre est plus marquée.

Place de Mantegna et héritage

Giorgio Vasari, dans son ouvrage Le Vite, fait l’éloge de Mantegna, malgré quelques réserves sur l’homme. Il s’est très bien entendu avec ses camarades lorsqu’il apprend le métier à Padoue et conserve des liens solides d’amitié avec deux d'entre eux : Dario da Trevigi et Marco Zoppo. Mantegna prend des habitudes de ce qui lui cause parfois des difficultés financières et il doit parfois faire valoir ses droits auprès du marquis.

Par la solidité de son goût pour l’Antiquité, Mantegna surpasse tous ses contemporains. Quoiqu'elle se limite pour l'essentiel au XV^e siècle, l'influence de Mantegna est très nette sur le style et les tendances de tout l’art italien de son époque. Elle est évidente sur les premières œuvres de Giovanni Bellini, son beau-frère. Albrecht Dürer a subi l’influence de son style au cours de ses deux voyages en Italie. Léonard de Vinci a pris de Mantegna les motifs décoratifs avec des festons et des fruits.

On considère que l'apport principal de Mantegna est l'introduction de l'illusionnisme spatial, tant dans les fresques que dans les peintures de Sacra Conversazione  : son influence dans la décoration des plafonds s’est poursuivie pendant presque trois siècles. À partir du plafond en trompe-l'œil de la Chambre des Époux, Le Corrège a développé les recherches de celui qui avait été son maître et son collaborateur dans l’élaboration de perspectives, aboutissant au chef-d’œuvre qu’est le dôme de la cathédrale de Parme.

Marcel Proust y fait plusieurs fois référence dans son À la recherche du temps perdu.

Le peintre a fait l'objet de relativement peu d'expositions : celle de Mantoue en 1961, celles de New York et Londres en 1992, plusieurs en Italie en 2006 pour fêter le cinq-centième anniversaire de sa mort (à l'occasion desquelles Giovanni Agosti publie un ouvrage de référence sur Mantegna) et celle de Paris en 2008^[4], bien que beaucoup de musées réputés possèdent ses œuvres (National gallery de Londres, pinacothèque de Brera et musée Poldi Pezzoli de Milan, Musée du Louvre de Paris, Musée du Prado de Madrid...).

Œuvres

Saint Marc, tempera à la caséine, Museum Städel, Francfort-sur-le-Main)

Martyre de saint Sébastien (huile/toile, Musée du Louvre, Paris)

Grisaille sur fond de marbre chiqueté

Mantegna a utilisé une technique de détrempe à l'œuf (tempera) ou à la colle pour lier ses pigments alors que la peinture à l'huile était déjà pratiquée^[3]. La datation de ses œuvres reste souvent imprécise.

• Fresques de la chapelle d'Ovetari dans l'abside de l'église des érémitiques de Padoue (détruites par les bombardements de 1944 sauf deux fresques déplacées avant le conflit).
• Saint Marc (1447-1448), tempera à la caséine, Museum Städel, Francfort-sur-le-Main
• Saint Jérôme dans le désert (1448-1451), Musée d'Art de São Paulo, Brésil
• L'Adoration des bergers (vers 1415-1453), tempera sur toile transférée à partir du bois, 40 cm x 55,6 cm, Metropolitan Museum of Art, New York
• Crucifixion (1457-1459), Partie centrale de la prédelle du retable de San Zeno, 67 cm x 93 cm sur bois, Musée du Louvre, Paris
• Agonie au jardin des oliviers (vers 1459), tempera sur bois, 63 cm x 80 cm, National Gallery, Londres
• Le Christ au jardin des oliviers et Résurrection (1459), parties gauche et droite de la prédelle du retable de San Zeno, tempera sur bois, Musée de Tours.
• Portrait du cardinal Lodovico Trevisano, (vers 1459-1469), tempera sur bois, 44 cm x 33 cm, Staatliche Museen, Berlin
• Retable de Saint-Luc (1453), panneau, 177 cm x 230 cm, Pinacoteca di Brera, Milan
  • dont la Sainte Justine, bois de 118 c x 42 cm
• La Vierge et l’enfant entre saint Jérôme et saint Ludovic de Toulouse (vers 1455), bois de 69,4 cm x 44,5 cm, Paris, Musée Jacquemart-André, Paris
• La Mort de la Vierge (vers 1461), panneau, 54 cm x 42 cm, Musée du Prado, Madrid
  • et sa partie supérieure du Christ recevant l'âme de la Vierge, pinacothèque nationale de Ferrare (attestée par Roberto Longhi)
• Saint Bernardin de Sienne et deux anges, 385 cm x 220 cm, pinacothèque de Brera, Milan
• Portrait d'un homme (vers 1460), bois, National Gallery of Art, Washington
• Portrait d'un homme (entre 1450 et 1460), sur bois de 32,3 cm x 28,8 cm, Museo Poldi Pezzoli, Milan
• Présentation au Temple (vers 1460-1466), tempera sur bois, 67 cm x 86 cm, Staatliche Museen, Berlin
• Vierge à l'Enfant endormi (vers 1465-1470), huile sur toile, 43 cm x 32 cm, Staatliche Museen, Berlin
• Chambre des Époux (1465-1474), Castello di San Giorgio, dans le complexe du Palais ducal de Mantoue
• Saint Georges (vers 1460), tempera sur panneau, 66 cm x 32 cm, Galerie de l’Académie, Venise
• Retable de San Zeno (1457-1460), retable polyptyque, 480 cm x 450 cm, basilique San Zeno, Vérone
  • panneaux de la prédelle dispersés, originaux en France, à Paris et à Tours
• Saint Sébastien (vers 1457-1459), bois, 68 cm x 30 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienne
• Saint Sébastien, panneau, 255 cm x 140 cm, Louvre, Paris
• Triptyque des Offices : Adoration des mages, Ascension (vers 1460) et Circoncision (vers 1464-1470), tempera sur panneaux, 86 cm x 42,5 cm, Galerie des Offices, Florence (tableaux initialement créés pour la chapelle du château San Giorgio avec la Mort de la Vierge)
• Portrait de Charles de Médicis (vers 1467), tempera sur panneau, 40,6 cm x 29,5 cm, Galerie des Offices, Florence
• Vierge à l'Enfant, (vers 1475), tempera sur toile, 42 cm x 32 cm, Staatliche Museen, Berlin
• Vierge à l'Enfant entre saint Jean-Baptiste et Marie-Madeleine (????), tempera sur toile, 139 cm x 116,5 cm, National Gallery, Londres
• La Vierge aux chérubins (vers 1485), panneau, 88 cm x 70 cm, Pinacothèque de Brera, Milan
• Les Triomphes de César (vers 1486), Hampton Court Palace, Angleterre
• Lamentation sur le Christ mort (vers 1490), tempera sur toile, 68 cm x 81 cm, Pinacothèque de Brera, Milan
• Madone de la carrière (1489-1490), Galerie des Offices, Florence
• Saint Sébastien (1490), Ca d’Oro, Venise
• Vierge à l'Enfant (années 1490), huile sur bois de 45 cm x 36 cm, Museo Poldi Pezzoli, Milan
• Madone de la Victoire (1495), tempera, 280 cm x 166 cm, musée du Louvre, Paris
• Sainte Famille (vers 1495-1500), tempera sur toile, 75.5 cm x 61,5 cm, Galerie de Dresde.
• Judith et Holopherne (1495), tempera à l’œuf sur bois, National Gallery of Art, Washington, D.C.
• Minerve chassant les Vices du jardin de la Vertu (vers 1502), huile sur toile, 160 cm x 192 cm, Louvre, Paris
• Le Parnasse (Mars et Vénus) (1497), toile, 160 cm x 192 cm, Louvre, Paris
• Retable Trivulzio (1497), toile de 287 cm x 214 cm, Castello Sforzesco, Milan
• La Descente dans les limbes, 38,8 cm x 42,3 cm^[5].
• Ecce Homo (1500), tempera et or sur toile tendue sur panneau, Musée Jacquemart-André, Paris
• Christ mort soutenu par deux anges (1500), tempera sur bois de 78 cm x 48 cm, Statens Museum for Kunst, Copenhague
• La Sainte Famille avec la famille du Baptiste (1504-1506), tempera à la caséine et or sur toile 40 cm x 169 cm, chapelle Saint-Jean-Baptiste, Basilica di Sant'Andrea, Mantoue
• Le Baptême du Christ (1504), tempera à la caséine sur toile de 176 cm x 230 cm, chapelle Saint-Jean-Baptiste, Basilica di Sant'Andrea, Mantoue
• Grisailles sur fond de marbre chiqueté^[6] en trompe-l'œil, en tempera à la colle sur toile, National Gallery, Londres^[7] :
  • Samson et Dalila (1500)
  • La Vestale Tuccia avec un tamis (symbole de chasteté), (1495-1506)
  • Femme buvant (1495-1506)
  • L'Introduction du culte de Cybèle à Rome (1505-1506), de 73,5 cm sur 268 cm, commissionnée par le Vénitien Francesco Cornaro, conservée à la National Gallery, Londres

Notes, références et sources

• (en) « Andrea Mantegna », dans Encyclopædia Britannica, 1911 [détail de l’édition] [lire en ligne]

Bibliographie

• Paul Oskar Kristeller, Mantegna, édité en anglais en 1901 puis en allemand en 1902,
• Janson, H.W., Janson, Anthony F. History of Art. Harry N. Abrams, Inc., Publishers. 6^e édition (1^er janvier 2005) (ISBN 0-13-182895-9)
• Suzanne Boorsch, Andrea Mantegna, peintre, dessinateur et graveur de la Renaissance italienne, Gallimard (22 mai 1992), Collection : Livre Art Elect, (ISBN 2070112403)
• La signature de Mantegna dans ses tableaux et son évolution. Daniel Arasse : Chapitre « Signé Mantegna » in Le sujet dans le tableau - Essais d'iconographie analytique, Flammarion (1997)
• Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna (1996), traduit de l'italien par Francis Moulinat et Lorenzo Pericolo (1997), coll. Maîtres de l'art, Gallimard Electa, Milan (ISBN 2 07 015047 X)
• Giovanni Agosti, Su Mantegna I. La storia dell'Arte libera la testa, en italien, Giangiacomo Feltrinelli Editore, Milan, coll. « Fuori » (ISBN 8-80742-115-1)

Articles connexes

• Les articles existants sur les œuvres de Mantegna classées par catégorie : tableaux de Mantegna et fresques de Mantegna
• Ses œuvres aux Offices de Florence
• Peinture murale
• Fresque
• Trompe-l'œil

•

Giorgio Vasari le cite et décrit sa biographie dans Le Vite : Page ?? - édition 1568

Liens externes

• Notice sur l'exposition sur Mantegna au musée du Louvre du 26 septembre 2008 au 5 janvier 2009

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