- L'atelier du peintre
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L'Atelier du peintre
L'Atelier du peintre 
Gustave Courbet, 1855 Huile sur toile 361 × 598 cm musée d'Orsay L'Atelier du peintre est une œuvre de Jean Désiré Gustave Courbet, artiste français né à Ornans le 10 juin 1819 et mort le 31 décembre 1877 à La Tour-de-Peilz, Suisse. Son titre complet est : L’Atelier du peintre. Allégorie Réelle déterminant une phase de sept années de ma vie artistique (et morale). Exécutée en 1855, elle est actuellement exposée au musée d'Orsay, rez-de-chaussée, section 7.
Refusée à l’Exposition universelle de 1855, l’œuvre est dévoilée au public lors d'une exposition personnelle de l’artiste, le Pavillon du Réalisme, sous le numéro 1. Le tableau sera tout d'abord racheté par sa veuve à la vente posthume Victor Desfossés, et servira de toile de fond au théâtre amateur de l'Hôtel Desfossés (6 rue Galilée à Paris). Elle est acquise en 1920 par le musée du Louvre pour 700 000 francs, offerts en partie par l'association les amis du Louvre, complétés par une souscription publique et une contribution de l’État.
Sommaire
Analyse de l’œuvre
Description générale
La scène se passe dans l'atelier de Courbet à Paris. Elle est divisée en trois parties : au centre, l’artiste, avec derrière lui, un modèle nu. À sa droite, les élus, les bons ; à sa gauche, ceux qui vivent de la mort et de la misère. Le tableau se présente donc comme un jugement dernier. Courbet en dit ceci dans une lettre qu'il adresse à son ami Champfleury en janvier 1855 : « c'est l'histoire morale et physique de mon atelier, première partie. Ce sont les gens qui me servent, me soutiennent dans mon idée qui participent à mon action. Ce sont les gens qui vivent de la vie, qui vivent de la mort. C'est la société dans son haut, dans son bas, dans son milieu. En un mot, c'est ma manière de voir la société dans ses intérêts et ses passions. C'est le monde qui vient se faire peindre chez moi. »
Iconographie
Avec l'Atelier du peintre, Courbet remet en cause la hiérarchie des genres en livrant là une sorte de manifeste personnel, il élève la scène de genre au rang de la peinture historique, dont il utilise d’ailleurs le format. Courbet mêle dans ce tableau toutes les catégories traditionnelles : le paysage, la scène de genre, le nu, le portrait de groupe, la nature morte… La toile est, de fait, une galerie de portraits, c’est-à-dire une réunion de figures connues, d’allégories ou simplement de différentes catégories sociales. Il cherche ainsi à donner à tous ces genres leurs lettres de noblesse. Par les mots « allégorie réelle », le peintre prévient son public que chacun des personnages représente une idée en même temps qu'un être de chair. Sous l'influence de Proudhon il se fait moralisateur et c'est le monde qu'il entend juger. Le nu peut être perçu comme une représentation allégorique de la peinture qu'il admire et qui inspire l’art de Courbet. Le sous-titre donne par ailleurs la mesure du propos ambitieux et un peu énigmatique du peintre. Courbet cherche en effet à faire une sorte de bilan de son œuvre à travers ce tableau. Le thème de la création artistique n’est pas inhabituel mais Courbet le renouvelle en se plaçant au centre, en se positionnant en tant qu’acteur principal. Il revendique ainsi son statut d’artiste.
Composition
Courbet commente ainsi le tableau dans une lettre : « Le tableau est divisé en deux parties. Je suis au milieu, peignant ». Très peu de peintres se sont, jusque là, représentés au centre de leurs œuvres. Ses élus et réprouvés sont comme départagés par une « religion nouvelle », celle de l’artiste ou de l’art, « religion » commune aux socialistes utopiques, aux romantiques, ainsi qu’à Proudhon, ami et confident du peintre. Courbet se définissait lui-même comme un républicain « de naissance ».
Partie centrale
Au centre, le peintre, son modèle et les souvenirs épars de son passé. Sur le chevalet figure un paysage de Franche-Comté, plus précisément un paysage d’Ornans que Courbet est en train de peindre, il privilégie ses origines, son milieu, son paysage natal. L'artiste est assis sur une chaise, de profil. Il porte un pantalon à carreaux et un veston à col rayé. Courbet, dans cette composition joue donc le rôle de médiateur, de régulateur. À ses pieds se trouve un chat blanc. Devant la toile, un petit berger comtois, pieds nus dans ses sabots, avec les cheveux en bataille, regarde la toile. Il est le symbole de l'innocence et de la vie. À droite du peintre se trouve une femme nue, son modèle qui regarde le peintre travailler ; elle est de profil et est coiffée d’un chignon ; elle retient avec ses deux mains une grande draperie qui traîne sur le sol ; ses habits sont jetés négligemment sur un tabouret.
Gauche
Selon Courbet, il y a, « à gauche, l'autre monde de la vie triviale, le peuple, la misère, la pauvreté, la richesse, les exploités, les exploiteurs, les gens qui vivent de la mort » : un braconnier, qui représente la chasse est assis au centre et ressemble étrangement à Napoléon III. Son chien regarde un sombrero et un poignard qui symbolisent la poésie romantique. Une tête de mort sur un journal représente la presse. En face, une irlandaise allaitant un enfant, allusion à la Grande Famine de 1845 en Irlande, ou plus simplement à la misère en général. Devant, un rabbin représente la religion hébraïque et un second Juif, le commerce. Ce dernier offre une étole à un bourgeois, portant un haut-de-forme, assis. Ce bourgeois serait peut-être le grand-père de Courbet ou, selon Hélène Toussaint, le banquier et ministre des finances Achille Fould rapportant dans sa cassette l'argent nécessaire au coup d'État. Le marchand d’habits serait Persigny, ministre de l’Intérieur de Napoléon III. Parmi les autres symboles et figures allégoriques de ce côté de l'œuvre, on peut aussi remarquer une paillasse à bicorne pour le théâtre et un prêtre pour la religion catholique (il pourrait s'agir de Louis Veuillot, journaliste ultra catholique et directeur de L’Univers). Dans le fond, toujours à gauche, on trouve un faucheur et un terrassier symbolisant la vie des champs ou peut-être des nations en lutte pour leur indépendance (Italie, Hongrie, Pologne), un croque-mort (Émile de Girardin, fondateur de journaux populaires, tenu pour « fossoyeur de la République » pour avoir soutenu Louis Napoléon Bonaparte en 1851), un ouvrier désœuvré, pour le chômage, un républicain de 1793 (Lazare Carnot) et enfin une fille publique (nue) pour la débauche.
Droite
Toujours selon Courbet, on trouve « à droite tous les actionnaires, c'est-à-dire les amis, les travailleurs, les amateurs du monde de l'art. », en tout douze personnages, les amis « élus » du peintre : Au premier plan, Charles Baudelaire, lisant assis sur une table ; il symbolise la poésie. À ses côtés un couple bourgeois visitant l’atelier, ce sont donc des amateurs mondains. Certains y reconnaissent le couple Sabatier, collectionneurs montpelliérains et fouriéristes militants. À leurs pieds, leur enfant qui lit, c’est l’enfance studieuse. Au milieu du groupe un couple s'embrasse pour figurer l’amour libre. Champfleury, l'ami du peintre, se trouve sur un tabouret et représente la prose, son domaine artistique. Dans le fond, Proudhon, avec ses fines lunettes, pour la philosophie sociale, Promayet pour la musique, Max Buchon pour la poésie réaliste, Urbain Cuenot, un ami intime de Courbet, et enfin, Alfred Bruyas (le mécène de Montpellier).
Dessin
Courbet a une très bonne connaissance de l’art espagnol ce qui se ressent dans l’atelier ; en effet il s’inspirait souvent de Ribera et de Zurbaran. Courbet a eu recours à la photographie pour son modèle. Chaque personnage est unique avec une expression du visage qui lui est propre.
Couleurs
Les tons dominants sont les couleurs ocres, or et marron.
Lumière
La lumière vient de droite par une fenêtre : elle éclaire donc les « bons » et le dos du modèle ; cette lumière est assez diffuse et prend une coloration jaune. Le tableau reste cependant assez sombre, cela vient sûrement du fait que Courbet avait l’habitude de peindre au préalable ses toiles en noir pour revenir petit à petit vers les tons clairs. Le tableau au centre, Courbet, son modèle et l'enfant sont mieux éclairés et ressortent de la toile.
Facture
Gustave Courbet peint avec de la matière, au couteau, de façon emportée - on voit les coups de pinceau ; il méprise le « fini ». Il aime mieux paraître gauche ou négligent, se voir reprocher ses erreurs de perspective et d'anatomie, la raideur et l'âpreté de ses figures, que de s'en remettre à des formules.
Situation historique de l'œuvre
Dans la carrière de l’artiste
L’Atelier est perçu comme une œuvre majeure et caractéristique de Courbet. L’année 1855 et plus particulièrement ce tableau marquent son bilan personnel. C’est une époque où Courbet tente de prendre ses distances avec la peinture. Il faut ajouter que son tableau, La rencontre, est pour sa part accepté à l’exposition universelle de la même année.
L’Atelier de Courbet a donc une forte valeur emblématique, c’est une œuvre moderne et révolutionnaire, dans le sens où il élève son histoire au rang de peinture d’histoire, ainsi que ses idées et connaissances.
Ce tableau, assez décrié en 1855, est aujourd’hui considéré un grand modèle artistique, représentant non seulement l’œuvre de Courbet mais aussi un mouvement artistique à part entière, le Réalisme. Il y a aussi le désir et le pouvoir de protéger la forme et la couleur des choses contre la déchéance, ce qui valut à Courbet d'être classé comme réaliste. Les interprétations de ce tableau restent multiples on peut compter trois niveaux de lecture: le tableau de genre avec le portrait de groupe, le paysage et le nu ; les personnifications et les allégories.
Dans l’histoire de l’art
Les critiques de l’époque ont qualifié l’œuvre de « vulgaire ». On connaît à ce sujet l’opinion de Eugène Delacroix : « je vais voir l’exposition de Courbet qu’il a réduite à 10 sous. J’y reste seul pendant près d’une heure et j’y découvre un chef-d’œuvre dans son tableau refusé ; je ne pouvais m’arracher à cette vue. On a rejeté là un des ouvrages les plus singuliers de ce temps mais ce n’est pas un gaillard à se décourager pour si peu. »[réf. nécessaire] Jean-Jacques Henner, lui, en dit alors : « Voilà un fond que Velázquez n’aurait pas mieux peint. Et cette figure nue, avec quel talent, quel goût elle est faite. »[réf. nécessaire]
Jules Champfleury disait que, devant Courbet, « la femme apparaît avec plus de franchise qu'elle ne s'en accorde à elle-même devant son miroir. » Contrairement à L'après-dîner à Ornans, au Retour des paysans de la foire de Flagey ou bien aux Casseurs de pierre, qui sont des scènes de genre et des peintures de petit format, l'Atelier est un grand format mêlant tous les genres que Courbet a pu peindre. Ce n'est pas une peinture qui a un rapport avec sa région et Ornans plus précisément.
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Catégories : Tableau de Gustave Courbet | Œuvre conservée au Musée d'Orsay
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